The Young Pope

 

Hablar de Paolo Sorrentino es hablar de un director (o más bien creador, ya que no solo se limita a dirigir sino a mucho más) particular, que forma parte de ese grupo de autores reconocibles en tan solo unos planos de sus películas (o, como es el caso, series). La serie que traemos hoy, “The young Pope”, marcó un hito hace unas temporadas por su gran calidad. Sorrentino fue guionista y director de los diez capítulos que la forman.

 

Como el título indica, el protagonista es el nuevo Papa de la Iglesia Católica, elegido en un cónclave como el menor de los males, ya que el favorito (norteamericano) destacaba por su apego a las normas ancestrales, y en un momento en el que la Iglesia se juega tanto la apuesta por el conservadurismo parecía arriesgada. Para no desechar la carta norteamericana, que se supone puede sumar muchos fieles a la causa, eligen al joven compañero de dicho cardenal: se trata de Lenny Belardo (magnífico Jude Law), al que se supone un poco más cercano al aperturismo.

 

Doctor en Alaska

 

Cuando hablamos de cine o series de culto hablamos de un producto con un estilo peculiar, particular, alejado de lo estándar. Es un hecho que con ese estilo se gana un nicho de público que, aunque muy alejado de formar una mayoría (las películas y series de culto suelen estar lejos de las más vistas aunque tampoco es una exigencia), sí es un público fiel capaz de sentir los guiones y los personajes presentados como cercanos, casi como si formasen parte de su familia.

 

Dentro de la categoría de serie de culto siempre, siempre, en cada listado que se haga, ha de aparecer “Doctor en Alaska”. A pesar de ser una serie cuya producción se remonta a hace treinta años y a pesar de su falta de reposiciones en todo este tiempo (hoy mismo leí un artículo en el que señalaban que la causa principal de eso es la excelente pero costosa en derechos de autor banda sonora, que funciona como un lastre difícil de mantener) es capaz de colarse entre las preferencias de espectadores que la mantienen entre series mucho más recientes y que nacieron ya con el apoyo de las redes sociales (algo que no tuvo Doctor en Alaska).

 

Qué bello es vivir

 

George Bailey vive en un pequeño pueblo de Ohio, Bedford Falls, un lugar que desde bien joven siente que se le queda pequeño. Su sueño es conocer mundo, acudir a la universidad a cursar estudios y conseguir un empleo bien remunerado en una gran ciudad. Lo tiene todo excelentemente planeado y, a tenor de su actitud, en la que priman los valores como el altruismo y el estar disponible en todo momento para lo que necesiten los demás, todo apunta a que sus deseos se harán realidad.

 

Sin embargo los planes no siempre se cumplen, y por una serie de circunstancias George se ve atado una y otra vez a un destino que no parece el suyo: la empresa familiar regentada por su padre y en la que también trabaja su tío está siempre a punto de desmoronarse. Es una especie de cooperativa que presta dinero a sus vecinos para que realicen sus proyectos más inmediatos, aunque no sean productivos para el prestamista. Cuando George celebra la fiesta de despedida para ir a la universidad, su padre fallece y no le queda otro remedio que ocuparse de la gestión de la cooperativa.

 

Smoke

 

Paul Benjamin (William Hurt) es un afamado autor literario que lleva unos años estancado en su papel creativo. La falta de su fallecida esposa hace mella en cada una de las facetas de su vida, y cada día intenta enfrentarse a su máquina de escribir con un balance poco favorable. Ahí, en su apartamento, pasa la mayor parte del día, saliendo en contadas ocasiones, la mayor parte de ellas para comprar un paquete de tabaco en el estanco de Auggei (Harvey Keitel), que ocupa una esquina de su manzana y que en cierto modo actúa como una de las columnas vertebrales del barrio en el que viven, cerca del puente de Brooklyn, en la ciudad de Nueva York.

 

El estanco será el núcleo y el escenario principal de la película, y el omnipresente humo (Smoke) del tabaco consumido será la efímera metáfora de lo que se nos quiere contar: pequeñas historias de pequeños personajes que funcionan como retales que, cosidos poco a poco, van a formar una historia sustentada por esas minúsculas anécdotas.

 

Fargo (serie)

 

A pesar de tener una variada carrera, en la que se atreven con un buen puñado de géneros, se puede decir que hay un “estilo Coen” a la hora de hacer cine. Los hermanos (Joel y Ethan) nos tienen acostumbrados a aportar calidad en todo lo que producen. De entre sus películas de mayor calidad, sea quien sea la persona que hiciese una lista, estoy seguro de que “Fargo” tendría uno de los lugares preferenciales. Y es que esa mezcla de cine negro de gran calidad con un humor tanto o más negro, e incluso se podría decir en ocasiones que macabro, alcanza una de sus cimas con la cinta presentada en 1996. Un secuestro fingido y una serie de peripecias acaba de una manera muy diferente a la que el protagonista pretendía cuando emprendió la aventura.

 

Sin embargo hoy no hablamos de la película protagonizada por la inigualable Frances McDormand (que puedes ver en más títulos de los Coen como puede ser su debut, “Sangre fácil”, momento desde el que es pareja de Joel) sino de una disparatada y maravillosa idea: la de tomar el mundo Coen diseñado para “Fargo” y darle una vuelta de tuerca: hacer una serie de unos cuantos capítulos, conservando la idea pero contándola de otra manera, con otros protagonistas, y con resultado un tanto diferente.

 

Bailar en la oscuridad

 

Lars Von Trier es un director de cine y guionista con una carrera bastante amplia. A lo largo de sus más de sesenta años de vida nos ha presentado decenas de películas, siendo una constante el no dejar a nadie indiferente. Además, la polémica es uno de los ingredientes en sus ruedas de prensa desde hace bastantes años, ya que suele hacer declaraciones poco diplomáticas y muy controvertidas, como también lo son sus películas. Aparte de eso, Lars Von Trier será recordado, creo yo, por ser uno de los dos fundadores del movimiento Dogma (95) junto a su compatriota Thomas Vinterberg.

 

Dicho movimiento abogaba por presentar películas ceñidas a una serie de normas (Manifiesto Dogma) que daban derecho a un sello de autenticidad, de cumplir con el llamado “Voto de castidad” durante el proceso de rodaje y producción. Para resumir los procesos imprescindibles podemos nombrar algunos como el hecho de tener que ser rodadas en escenarios naturales y no en estudios, el deber tener sonido e iluminación originales y no artificiales, prescindir de efectos especiales e incluso de trípodes para las cámaras o la prohibición de pertenecer a algún llamado género cinematográfico. Con algunos altibajos y algunas modificaciones, el movimiento Dogma duró unos diez años, aunque el efecto que tuvo en el cine todavía perdura.

 

Hit the road

 “Hit the road” comienza, como nos podemos imaginar gracias al explícito título, en una carretera. Se trata de una carretera en Irán, en un paisaje árido y desolado. En esa carretera se encuentran los protagonistas de la historia y habitantes de ese país: tres adultos (dos hombres y una mujer) y un niño. Abro paréntesis Y también una pierna escayolada y un simpático perro Cierro paréntesis. Es difícil imaginar al principio la relación entre esos cuatro ocupantes del vehículo todoterreno que nos transportará en dirección norte hacia un destino desconocido.

A pesar de ello, pronto nos damos cuenta de que las circunstancias del viaje no son normales, y que los tres adultos guardan las máximas precauciones ante un peligro indeterminado que parece seguir sus pasos. No sigue el ejemplo el activo y charlatán niño, inconsciente en todo momento de lo que está sucediendo pero que, gracias a su naturalidad y espontaneidad, logra ganarse un hueco en nuestro corazón en tan solo unos segundos.