Armageddon

 

"Woke" es un anglicismo muy utilizado en los últimos tiempos, y en su origen se refería a las personas que se enfrentaban a actitudes racistas. Hoy se emplea de una forma mucho más amplia, que abarca a infinidad de movimientos. A pesar de que nos referimos al verbo despertar, la RAE lo describe de la siguiente manera: en español, con sentido equivalente al inglés «woke», existe el adjetivo tradicional «concienciado, -da». Ricky Gervais, en su última gira de monólogos llamada "Armageddon", se define como Woke.

¿Te encaja en esa definición el humorista británico? Pues si conoces alguno de sus anteriores trabajos (me atrevería a decir que cualquiera, incluso su serie más políticamente correcta, la genial "After life", está muy lejos de ello) creo que estarás de acuerdo conmigo en que es imposible. Y es que Ricky Gervais es lo contrario a la corrección política. Es más, es el azote de la misma. Tampoco conozco un humor similar al suyo. Nada de él me recuerda a nadie. (Corrijo: ¿a nadie mas que a mí le recuerda su dentadura a la del genio David Bowie?)

Memories of murder

Estamos en 1986, y en la localidad surcoreana de Hwaseong, cercana a la capital Seúl, aparece el cuerpo de una mujer sin vida, víctima aparente de una brutal agresión sexual y su posterior asesinato. El revuelo que causa entre los investigadores locales y la carencia de medios para investigar el hecho hace que sea enviado un investigador desde la capital del país. 

De su observación y su aparente minuciosidad llegan a una conclusión: el crimen tiene puntos en común con otro sucedido en la misma zona con anterioridad. Además, pronto se descubre un patrón en sucesivas y posteriores agresiones que en principio no pueden evitar: es un asesino en serie que busca mujeres a las que agredir y, a medida que se suceden los crímenes, sobre las que emplear una mayor dosis de violencia.

Cinema Paradiso

 

Salvatore Di Vita es (en la película) un afamado e internacionalmente reconocido director de cine, ya en la edad madura. Originario del pequeño pueblo siciliano de Giancaldo, Salvatore hace ya treinta años que no lo pisa. Entre compromisos, rodajes y la vida que decidió vivir en la capital italiana, poco espacio hay para la que dejó atrás. A pesar de esa ausencia su madre, sin llegar a conseguir hablar en persona con alguien tan célebre como él, consigue hacerle llegar un mensaje: Alfredo ha muerto.

Eso lleva a Salvatore a recordar de forma inmediata quién era Alfredo, y también quién realmente es él mismo: Salvatore, además del exitoso cineasta, también es Totó, el inquieto y travieso niño que muchos años atrás se colaba en el cuarto del operador del único cine del pueblo, Alfredo, y del que aprendió además de a operar el cinematógrafo a enfrentarse a su manera a la vida. Desde su cama, y con el dolor de la pérdida del amigo y mentor, Salvatore recuerda y nos muestra cada paso que dio en su pueblo, y la cohesión que ejercía la sala "Cinema Paradiso", de la que también fue operador, en la pequeña población.

An elephant sitting still

 

"An elephant sitting still" es una película de cuatro horas de duración. Los minutos en los que hay una mínima acción son un porcentaje ínfimo. Los actores, desconocidos. El entorno, una ciudad desconocida china, en uno de sus barrios obreros. Tiene un ritmo lento, con planos en ocasiones repetitivos y una mayor parte de la película carece de diálogo. Además, los diálogos suelen mostrarse "fuera de plano" (desde la espalda, en la oscuridad, o similares). 

El director, un joven y desconocido autor chino que también publicó un par de novelas. Es al mismo tiempo su ópera prima y su última película. Si, tras haber leído las frases anteriores, todavía queda un mínimo de interés en ti por ver la película, es posible que la llegues a disfrutar.

La ruleta de la fortuna y la fantasía

La fascinación que siento por la cultura que exporta el país nipón es difícil de explicar. En ciertos aspectos es abstracta, pero a pesar de los evidentes choques culturales (o no choques, sino tan solo diferencias) la a la vez contundente y contenida forma con la que logran expresar sentimientos me ha regalado muchas satisfacciones. Partiendo de esa premisa, he de decir que desde el primer plano de "La ruleta de la fortuna y la fantasía" supe que sería una película que me iba a gustar. Y así fue.

El cuidado al elegir los planos de Ryüsuke Hamaguchi salta a la vista, y aparte de los diálogos y la acción, pone el mimo en los diversos componentes que pueden llenar la pantalla y llamar nuestra atención (he de confesar que simplemente el observar las hojas de un árbol movidas por el viento me fascinan tanto en la vida real como en una película) de forma poderosa. "La ruleta de la fortuna y la fantasía" consta de tres historias independientes en las que los personajes no tienen relación ni tampoco usan el efecto de cruzarlos en ningún momento, aunque si ponemos empeño podemos ver puntos en común entre los tres relatos. Uno de ellos es que los personajes principales son mujeres.

Pechos eternos

 

El nombre de Fumiko Nakajo hace escasas horas no significaba nada para mí. Nada en absoluto. A pesar de conocer parte de la literatura nipona tengo que reconocer que la poesía no es una de mis pasiones. Sin embargo sigue siendo extraño que no suene su nombre. Pues bien: Fumiko Nakajo fue una poetisa japonesa que murió pocos años después de la Segunda Guerra Mundial aquejada de un (que por aquel entonces era fulminante y que afortunadamente ha cambiado de forma positiva su porcentaje de curación) cáncer de mama.

Y Fumiko Nakajo es el personaje principal de "Pechos eternos", película basada en su vida que nos muestra a una mujer devastada por un matrimonio infeliz desde antes de llevarse a cabo. La función que está obligada a cumplir se le hace cuesta arriba, y mucho más tarde de lo que hubiese sido necesario decide divorciarse del padre de sus hijos.

Otra ronda

 Para Ida. Esas dos palabras son el epílogo de esta película del director danés Thomas Vinterberg. Ida es el nombre de la hija del director, y estaba previsto que participase como actriz en “Otra ronda”. Sin embargo, un accidente automovilístico (esa necesidad actual de los humanos de consultar el teléfono incluso al volante lo produjo) acabó con su vida. 

De esa emocionante mención nació la necesidad de Vinterberg de completar esta obra a pesar de la ausencia de su hija. Al hacerlo consiguió, tal vez, el mayor reconocimiento de su carrera. Incluso logró el ultraconocido Oscar de la Academia del Cine a la mejor película de habla no inglesa.

La orquesta

 

En una orquesta han de convivir y ser coordinadas un buen puñado de personas. Cada una tiene su personalidad, es evidente, y encontrar el equilibrio entre tanta gente es difícil. Además, a las habituales envidias, chismes y rencillas que hay en un grupo normal de personas hay que sumar el en ocasiones desmedido ego que puede acompañar a los artistas.

 

La Orquesta Sinfónica de Copenhague contrata a un nuevo director adjunto, y nosotros lo acompañaremos en su primer día. Jeppe, el protagonista, es una persona discreta y apocada. Para ser sinceros,  parece que el manejar un grupo tan heterogéneo se le va a hacer una misión imposible. De momento ha de lidiar con Bo, segundo clarinetista, que ansía convertirse desde hace tiempo en el primer clarinetista.

Barbarroja

 

Estamos en los primeros años del siglo XIX y acompañamos a un recién licenciado médico. El joven acaba de regresar de su formación en Nagasaki, y de regreso a su pueblo se le presenta un prometedor futuro, ya que parece que sus primeros años serán acompañando al médico del Shogun de su población situada en las inmediaciones de Edo (el actual Tokio), para en cuanto pueda sustituirlo y lograr el mayor estatus social y económico al que puede aspirar. Sin embargo, siguiendo instrucciones ha de acudir a una clínica rural financiada por el gobierno en la que se pasa consulta y se atiende tanto a las personas que pueden pagarlo (no mucha cantidad) como a las que no. Como puedes imaginar, los medios son escasos.

 

Una vez en ella Yasumoto ha de visitar al director, el doctor Niida (Toshiro Mifune), hombre con tanta fama de arisco y malhumorado como de buen médico. Al acudir a la clínica pronto se da cuenta de que, lejos de ser una visita de cortesía, se trata de un período de formación concertado con el duro doctor que empieza el mismo día de la cita. Yasumoto reacciona airadamente a la que entiende como encerrona, en el lado opuesto del sueño que para él es la formación en la casa del Shogun.

 

Empieza el baile

Carlos es argentino, y lleva viviendo en Madrid más de tres décadas, donde se ha hecho un hueco interpretando algún que otro papel. Se encuentra ya en una edad en la que hay más pasado que futuro, y empieza a olvidar recuerdos de su vida en Argentina. Sin embargo, una llamada telefónica lo lleva de vuelta a su país: Pichuquito, amigo de toda la vida, le da una terrible noticia.

 

Se trata de la muerte (por suicidio) de Margarita, probablemente una de las personas más importantes de su vida, con la que compartieron (ambos, Carlos y Pichuquito) miles de kilómetros de carreteras y miles de vivencias en una época en la que Carlos y Margarita formaban la más célebre pareja de baile (de tangos, por supuesto) de Argentina.

 

Los siete samuráis

 

La acción de “Los siete samuráis” se desarrolla en un minúsculo pueblo japonés durante el siglo XVI. Ahí, entre un puñado de casas que se cuentan con los dedos de las manos, desde hace siglos malviven sus habitantes consumiendo lo poco que producen sus campos. Durante un tiempo sufren las incursiones de un grupo de bandidos que les arrebatan sus cosechas y, con ello, su propio alimento.

 

En una reunión de los escasos habitantes del pueblo éstos consultan al más anciano y toman una decisión. Enviarán emisarios a un pueblo mayor en busca de lo que parece un imposible: encontrar personas que los defiendan de los agresores, con el único pago de un par de cuencos de arroz al día. El objetivo ideal sería conseguir a experimentados samuráis, acostumbrados a luchar para los señores que los contraten. Sin embargo, el casi nulo pago hace que la expedición sea un fracaso.

 

Atraco perfecto

 

Johnny es un delincuente habitual que, también de forma habitual, pasa temporadas en prisión. En la última y larga estancia en la cárcel (nada menos que cinco años) tiene tiempo de planear de forma minuciosa el que pretende ser su último golpe: se trata de un atraco limpio y sin víctimas al hipódromo de la ciudad, cuya recaudación (equivalente a botín en este caso) calcula que sean dos millones de dólares de la época, suficiente para retirarse de esa vida y de cualquier vida en la que necesite de su trabajo para subsistir.

 

Johnny (interpretado por Sterling Hayden) no puede hacerlo solo, y pasa un tiempo captando las piezas del puzzle que han de actuar en cada papel diseñado por él mismo el día del atraco. Una de las más importantes premisas es que cada uno ha de saber su papel al dedillo, pero tan solo el suyo y no el de sus compañeros. De esa forma hay menos cabos sueltos y menos lugar al error. La película comienza cuando el atraco ya es inminente, cuando faltan tan solo un par de días.

 

Alquila como puedas

“Michael & Eagle” es una modesta y familiar agencia de alquiler de viviendas que malvive en Londres luchando con otras agencias más pudientes y más profesionales. A pesar de no haber ningún Michael ni ningún águila por ningún lado, Vasos Charalambos, el anciano propietario de origen grecochipriota, la creó hace unos años con el propósito de proporcionar un futuro entorno laboral a sus hijos: Stath y Sophie. Sin embargo, y por diferentes motivos, no parece que el futuro sea muy prometedor. Por un lado Sophie tiene la sana intención de triunfar en el mundo del espectáculo británico aunque (por decirlo con suavidad) sus capacidades son limitadas para ello; por otro lado, Stath ES Stath.

 

¿Y qué significa eso? Pues que es un desastre. Que no hace nada bien. Que es capaz de echar a perder cualquier cosa. Ante el inminente pase al retiro de su padre la gerencia de la agencia debería pasar a sus manos (recordemos que Sophie no tiene ningún interés en ello) pero sería poner a la agencia (y seguramente a la ciudad de Londres) en un serio peligro. Creo que será mejor que explique lo que es inevitable y es que Stath es uno de esos personajes protagonistas antihéroes que no sé si creó Ricky Gervais, pero sí que fue llevado a su apogeo por él con el David Brent protagonista de “The office” (que luego sería adaptada en su versión norteamericana con Steve Carell como desastroso, odioso y entrañable protagonista).

 

Living

 

El Sr. Williams es el máximo responsable de uno de los departamentos del colosal ayuntamiento de Londres. Lo es desde hace mucho y tiempo y ahora, en mitad de la década de los 50, cuando el país todavía intenta curar las heridas de la mayor guerra vivida hasta ahora, el Sr. Williams se acerca a la edad de jubilación.

 

Si hubiese que describir su actitud sería la de un empecinado e inmóvil funcionario, incapaz de transgredir las normas ya sean escritas o no de comportamiento dentro del ayuntamiento. Aparte de eso, es una persona seca y cuya vida se limita a ir de su casa (donde vive con su hijo y su nuera) al trabajo, y viceversa. La relación con sus compañeros de trabajo, en su caso subordinados, es distante y prácticamente inexistente. La mejor definición de su vida la proporciona una joven y divertida empleada: lo conoce como el Sr. Zombi.

The Young Pope

 

Hablar de Paolo Sorrentino es hablar de un director (o más bien creador, ya que no solo se limita a dirigir sino a mucho más) particular, que forma parte de ese grupo de autores reconocibles en tan solo unos planos de sus películas (o, como es el caso, series). La serie que traemos hoy, “The young Pope”, marcó un hito hace unas temporadas por su gran calidad. Sorrentino fue guionista y director de los diez capítulos que la forman.

 

Como el título indica, el protagonista es el nuevo Papa de la Iglesia Católica, elegido en un cónclave como el menor de los males, ya que el favorito (norteamericano) destacaba por su apego a las normas ancestrales, y en un momento en el que la Iglesia se juega tanto la apuesta por el conservadurismo parecía arriesgada. Para no desechar la carta norteamericana, que se supone puede sumar muchos fieles a la causa, eligen al joven compañero de dicho cardenal: se trata de Lenny Belardo (magnífico Jude Law), al que se supone un poco más cercano al aperturismo.

 

Doctor en Alaska

 

Cuando hablamos de cine o series de culto hablamos de un producto con un estilo peculiar, particular, alejado de lo estándar. Es un hecho que con ese estilo se gana un nicho de público que, aunque muy alejado de formar una mayoría (las películas y series de culto suelen estar lejos de las más vistas aunque tampoco es una exigencia), sí es un público fiel capaz de sentir los guiones y los personajes presentados como cercanos, casi como si formasen parte de su familia.

 

Dentro de la categoría de serie de culto siempre, siempre, en cada listado que se haga, ha de aparecer “Doctor en Alaska”. A pesar de ser una serie cuya producción se remonta a hace treinta años y a pesar de su falta de reposiciones en todo este tiempo (hoy mismo leí un artículo en el que señalaban que la causa principal de eso es la excelente pero costosa en derechos de autor banda sonora, que funciona como un lastre difícil de mantener) es capaz de colarse entre las preferencias de espectadores que la mantienen entre series mucho más recientes y que nacieron ya con el apoyo de las redes sociales (algo que no tuvo Doctor en Alaska).